画家和画师在艺术创作过程中，谁容易被现实约束？:画家对物象的描摹有着自已的思想、激情和创作的要素在里面；画师只是对定制的题材照相式的描摹，较少或没有创

画家对物象的描摹有着自已的思想、激情和创作的要素在里面；画师只是对定制的题材照相式的描摹，较少或没有创作的成份在里面。简单地讲，画家创造画稿，画师临摹画稿，一个更生命、更灵魂，一个更工匠、更肉体。当然画家和画师是相对的，在一定条件下是相互转化的，如古代的画师和画家是没有什么区别的。由此可见，画师画的是命题画作，无论是题材内容还是表达方式都是身不由己的，而画家无论是题材内容还是表达方式都是自由选择的。另外，两者的文化底蕴和专业程度也是有差异的。从这个意义上讲，画师更容易受现实、政治和宗教等的约束。（图片来自网络）

画家和画师在艺术创作过程中谁容易被现实约束？讨论这个问题，我觉得应该先搞清画家和画师的含义。

画家一般来讲，是指具有较高的绘画艺术修养造诣有娴熟的绘画技能技法有独创并发表的绘画艺术作品且在社会上有一定影响并被专业机构认可的绘画工作者。

画师一般来讲，是指在工厂或画坊根据指定要求按照现成的或既定的样板画进行临摹式机械式重复式的绘画制作的技师或技术工人。画师虽然具有熟练的绘画技能技法，但因完成的是“定制绘画”，缺乏或没有个人专属的审美思想主观创意。严格地讲，画师照着别人的画作比葫芦画瓢画出来的画不能叫做创作，应该叫制作。

画家和画师在画画上的最大区别就是画家是在创作绘画作品，画师是在制作绘画作品，画家是根据自己的审美理念和对现实的观察理解感受“创造”性地作画，画师是按照约定或既定的要求和画样“机械”性地作画。

由此可见，画家在创作绘画作品时是可以最大限度地发挥和展示自己的创作主题审美理念和技法风格的，画师在制作绘画作品时是受到指定条件“约束”的，即便画师有自己的创意和想法，也不能随意发挥和表达表现的。

英国现代著名画家弗洛伊德最擅人物肖像绘画，英国女王伊丽莎白慕名请他为自己画像。像画出来后很多人觉得画像把女王画丑了。但弗洛伊德不以为然，仍是自信满满。荷兰十七世纪著名画家伦勃朗在创作《夜巡》这幅画过程中，感觉按照约画人提出的要求画这幅画并不好，于是就按自己的创意创作了《夜巡》。虽然后来伦勃朗为此吃了官司，但他宁可输掉官司也不肯按对方要求修改这幅画。

画家和画师最大的不同就在于对艺术的理解层度不同，同时对于艺术的追求层度不同！咱们首先说理解层次不同！艺术有很多层次，从最基本的欣赏到高层次的创作，理解不同，层次也就不同！如果这么说不好理解的话，我们可以反过来想一下，古代有那么多诗人，可是写出来的诗却高低不同，这和绘画其实是一样的道理！那么画家一般情况下对于艺术的理解层次普遍高于画师！

画家和画师的艺术创作

原本一幅高品质的绘画作品，就是能反映现实，因为反映现实，所以就引起了共鸣。但是，问题来了，画家和画师在艺术创作过程中，谁容理被现实约束呢？关于这个问题，如果没仔细分析“画家”和“画师”在艺术史上的角色、地位的话，难免会误认为画师在艺术创作过程中，容易被现实约束，因为现实是残忍的，而画师的身份地位又相对低下，比画家卑微，卑微的人总是被残忍的现实约束、摧残。

事实上，在艺术创作过程中，画家更容易被现实约束，为什么这么说呢？因为画家的“功利心”比较重，虽然画师也有功利心，但碍于没有尝过功利的甜头，其功利心也只是想想而已，自然没有画家那样沉重的“功利心”，稍有名气的画家都有或多或少的“鲜花掌声”，尝过了这样的甜头，一旦哪天“鲜花掌声”少了，就浑身不自在，很是失落，甚至看到同行比自己名气更大，都会有嫉妒之心，这又给自己增添了无形的压力，

古人曾说过：“高处不胜寒”，意思是说，站的越高，就感到越冷，“冷”可以理解成压抑、担心受怕的意思，画家的地位明显比画师高的多，画家在享受名利的同时，也被名利约束，被现实约束，凡是有点名气的画家都会进入一个“鱼龙混杂”的社交圈子，目的就是想让自己更加有名气，而此时借助资本的力量，宣传炒作，那么很多事情就由不得自己了，有一些无形和有形的“条框”约束着自己，

比如，画家要为资本而画画，迎合市场的潮流、喜好进行创作，从而就会违背自己的艺术初衷，无法做到“为艺术而艺术”，这就是被现实约束了。然而，画师凭借自己的能力、凭借自己的心情去画画，在创作过程中，没有现实的人情世故可以约束画师，正所谓，没有贪欲，就不会被约束。除了“功利心”之外，画家对自己的创作要求比画师高，创作一幅画，常常是费劲脑筋心思去构图立意，又要体验生活，入戏太深，就难免会被现实约束。

就如同开篇提到的那样，一幅品质优良的绘画作品，能反映很深刻的现实寓意，画家在创作时要考虑、顾及人性世俗伦理，什么该画，什么不该画，这都要去掂量一下，而不是完全凭着自己的任性，随意发挥。画家思考问题比画师更有深度，想的多，创作的冲动欲望就更加强烈，而又逃脱不了现实的约束。我们就看欧洲文艺复兴时期的画家，虽然都是大师，但是他们在创作过程中，依然会受到宗教权贵的约束，创作的内容题材是会受限制的，而他们也只有依靠自己的智慧和某些权贵的支持，比如，美第奇家族就一直在支持波提切利，所以古希腊神话题材才有机会出现在人们的面前。

画家和画师在艺术创作中，谁容易被现实约束？我个人认为，画家是不能被现实约束的，而画师则必须遵从现实的客体特征，以工匠的心智去表现刻划审美客体对象。画家重在画之外的画境，意境，画师重在形体特征写生。简言之，画家重在神形兼备，画师重在“跟真的一样。”画家的作品意在创作，画师作品旨在再造，

宋朝曾定义三类画家：

第一类是宫庭画师，为政权服务，绘画作品反映皇家权贵，装点庙堂墓室；

第二类是文人画家，士大夫官宦之家，有深厚的传统文化功底，如书法，诗词，以笔墨入画也表达了他的胸襟和志向兴趣。“草草数笔，以聊表心中逸气。"却不管别人怎么看，不受外局限制，这类画家是最开放的，属中国画的本性表达。

第三类是以绘画为生存手段的职业画家，虽然有传统绘画的功底，更多的他是看买他画的人的喜好，所谓“投其所好换金钱"。

所以第一类和第三类画家都会受现实的局限比较多，第二类文人画家则显得自由随性，体现出中国化的开放本性。

没必要计较是画家还是画师，还得看作品才能做断定。很多好的称谓被无知搞的贬低到了地下室，所以，当今无论是画家还是画师都不好界定作品水平。

被束缚的不是一个称谓或者职业或者身份，是自己！绘画提升突破的是自己！被局限和束缚的也是自己

这个问题首先弄清“画家”与“画师”两个词的概念。我们一般认为画家就是以绘画形式作为手段来表达自己对客观事物的理解与情感的艺术家。而画师虽然也是以绘画作为手段来描绘客观事物，但制作过程中没有个人的感情思想在里面。所以画家是有感而作，而画师常常是为了利或名而制，自然画师容易被现实约束。

肯定的答案是画师容易被现实约束。不为名利所扰的淡泊，加之卓尔不群的思想和锲而不舍的精进，这是一条鸿沟，它将画家和画师无情地分割在了艺术的此岸和彼岸。

有句哲学上的话，叫社会存在决定社会意识，有什么样的社会存在就有什么样的社会意识，反过来，社会意识对社会存在具有能动的反作用。美术作品同样是社会存在的反映，画家通过对事物的观察，将他所理解的社会存在用艺术的手法再现后，由观者进行二度的审美再创作。优秀的美术作品其实起到一个媒介的作用，通过这个媒介，观众不仅能与画面所表现的自然物象对话，更能与作者进行心灵沟通。画家的创作不能仅仅满足于停留在纸上的完成，画家的作品其实是在观者的脑海，或者说是在观者的内心最后完成的。而画师仅能照本宣科。

画家作品的真正生命力，不是单靠笔墨的功力就能达到的，其中的很大成分要看作品的社会性，看作品与观者之间的默契与共鸣。这是每一个有社会责任感的画家都要用心去追求的境界，像徐悲鸿等都是在投身社会实践的过程中，将自己的艺术感受传达民众并震撼其心灵的先驱。所以他们的作品不仅在他们身后广泛流传，而且他们自己也成为受人敬仰的艺术家。